Cómo convertirse en un artista profesional

Cada artista comienza su viaje con cierta pasión por el arte. Una pasión que los impulsa a crear cosas nuevas, aportar una visión de la realidad y sumergirse en un campo que los fascina. Es una pasión que desearía que más personas tuvieran y desarrollaran. Pero con demasiada frecuencia, la prudencia y el pensamiento práctico pueden crear miedo y aprensión que pueden alejar a las personas de las actividades creativas y ocuparse en oficios más «responsables». ¿Pero tu profesión está sirviendo para llenar tu tiempo o tu tiempo está sirviendo para llenar tu pasión? No hay una respuesta correcta. Proporcionar los recursos necesarios para ti y quizás para tu familia es necesario y noble. Pero para aquellos que consideren la posibilidad de que vivir una pasión creativa sea algo que les gustaría hacer, les puedo decir que es posible y no puedo ver otra forma de vivir que con y a través de esa pasión.

Ryan Brown
Ryan Brown, “Birth of a Creative Mind (To Think, To Dream, To Create),” 2016, oil on linen, 20 x 30 in.

Es mi trabajo soñar despierto, observar la belleza de mi entorno y amar lo que observo. Es mi trabajo compartir ese amor con los demás de la manera más elegante y poética posible. Y veo esto como una búsqueda orientada al servicio. Por supuesto, mi arte florece desde mi visión personal, pero su propósito es específicamente satisfacer la mayor necesidad de belleza, verdad y estética para aquellos que puedan verlo. Expande el significado de mi tiempo si paso ese tiempo produciendo obras que ayudan a elevar el ánimo o el pensamiento de los demás. Sin este pensamiento particular en mente, lo que hago parecería interminablemente egoísta y caprichoso. Estos dos elementos para observar la belleza y servir a los demás son las influencias dominantes de mi carrera como artista. Hay tanta alegría y satisfacción en esta búsqueda que espero que todos los que estén considerando un camino artístico para su vida lleguen a la conclusión de hacerlo.

Ryan Brown
Ryan Brown, «Maternidad», 2016, óleo sobre lino, 36 x 51 in.

Entonces, ¿cómo hacer o construir una carrera como artista para vivir esta pasión? Para mí, el primer paso fue comenzar a crear. Uno debe tener el coraje suficiente para comenzar a hacer cosas, incluso si no tiene idea de lo que está haciendo. Sumérgete de cabeza en el agua oscura, incluso si crees que te ahogarás.

Pero, y esta es quizás la parte más importante, ten la humildad de aprender siempre. Para hacer un verdadero esfuerzo para convertirte en artista debes tener dos cosas. Primero, debes ser lo suficientemente fuerte para asumir que puedes hacerlo y simplemente ir por ello. Pero también debe tener la sabiduría suficiente para comprender que tu (como todos nosotros) tienes límites. Hay muchas cosas que puedes aprender por tu cuenta, pero progresarás mucho más hacia tus objetivos si eres lo suficientemente justo contigo mismo para comprender que el estudio es necesario. Nadie se convierte en médico sin estudios de medicina. Muchas personas en las artes se tiran a la piscina y se saltan el paso de la educación. Lo que tienes que entender es lo ineficiente que es ser autodidacta. Después de todo, cuando eres autodidacta, tienes el maestro más ignorante.

El sistema de educación artística de hoy es un desastre caótico de fragmentos aleatorios de información, y a menudo información errónea, que deja al estudiante de arte con la tarea innecesaria de desentrañar las complejidades de la teoría, la filosofía y los métodos para tratar de descifrar un camino coherente por el cual progresar hacia sus objetivos. Cuando asistí a la Academia de Arte de Florencia, experimenté el poder de un enfoque organizado para dibujar y pintar que nunca antes había visto. Aprendí más en mis primeras tres semanas de estudio académico que en cuatro años y medio en una universidad. Para muchos de los que asistieron a una academia de arte como esta, mi historia es tan común que se ha convertido casi en un cliché.

En el libro Peak: Secrets from the New Science of Expertise, los coautores Anders Ericsson y Robert Pool discuten en profundidad las realidades básicas del desarrollo humano. Expande el concepto de la regla de las 10.000 horas para incluir tres factores clave. Uno es el tiempo dedicado a la práctica, por supuesto. El segundo factor es que este tiempo en la práctica se use en un sistema progresivo bien diseñado destinado a desarrollar habilidades o conocimientos de lo simple a lo más complejo. Y el tercero es tener esa práctica organizada vigilada y analizada por alguien que ha dominado los elementos del campo de estudio dado.

Ryan Brown
Ryan Brown, «Rojo», óleo, 16 x 30 in.

Gran parte de lo que escucho como consejos en el mundo del arte termina con solo «practicar». «Dibujar, dibujar, dibujar» es una cita de Degas que escucho a menudo. «Pon más kilometraje en tu pincel» es otra frase que escucho a menudo. Pero sin un enfoque organizado o deliberado de práctica, es más probable que uno se vuelva cada vez más eficiente para hacer algo mediocre en lugar de desarrollar una mayor habilidad y un conocimiento más profundo. Y tener feedback constantes de una fuente comprobada, sirve para crear conciencia sobre los elementos del conocimiento que es poco probable que descubras por tí mismo. Todos desconocemos lo que desconocemos.

La adquisición de conocimiento y el desarrollo de habilidades deben realizarse lo antes posible en la carrera de un artista. Pero nunca es demasiado tarde. Si eres fiel a ti mismo y a tu visión, no dejarás que nada se interponga en tu camino de desarrollo.

Espero para aquellos que leen esto consejo lo tomen como un llamado a la acción. No estoy tratando de predicar, sino de ser un animador ofreciendo aliento para que puedas hacer esto. ¡¡PUEDES HACERLO!! Solo date la mejor oportunidad de tener éxito y conviértete en un experto en lo que haces.

Así que ahora imaginemos que has desarrollado esta habilidad y está comenzando a hacer un trabajo bien diseñado y bien pensado. ¿Ahora que? ¿Cómo te permites seguir haciéndolo? Si no puede responder esto, simplemente se convierte en un pasatiempo realmente costoso. Hay dos caminos principales que he experimentado en mi carrera (lo cual es una simplificación excesiva por el bien de este artículo). Un camino es impulsado por el dinero y el otro por el arte.

Ryan Brown
Ryan Brown, «Nestor», 2008, carbón y tiza blanca sobre Canson, 35 x 40 in.

Es importante decidir por ti mismo cuáles son tus prioridades y ser fiel a ellas. Para muchos, la necesidad de ganarse la vida es real y debe considerarse. Pero, si no tiene cuidado, puedes dirigir negativamente tus esfuerzos. Inevitablemente, en algún momento crearás una o dos obras que gusten. Y las galerías que vean esta respuesta positiva a un tema en particular, tamaño, composición o armonía de colores, pedirán más de lo mismo. Y se lo darás, porque vender sienta bien y obtener una respuesta positiva a tu trabajo sienta aún mejor.

El peligro es que esto puede convertirse involuntariamente en tu tarjeta de presentación, tu estilo, tu marca. Sin ningún intento deliberado o elección diseñada, puedes producir y regurgitar el mismo trabajo durante décadas.

Para muchos, sienten que no hay inconveniente en esto. Los beneficios son que estableces una marca pronto y desarrollas una clientela creciente que quiere la marca de arte que haces. Es más fácil vender un producto conocido. A las Galerías y a los coleccionistas les gustan las marcas conocidas. Es más fácil de vender y más fácil atribuir un valor prescrito a tal trabajo y tales artistas.

Pero a nivel personal, debe preguntarte si crear un trabajo similar durante tanto tiempo será satisfactorio para ti. Aquí es donde tus prioridades personales deben estar claras. La alegría de vender, la alegría de ser más conocido y la alegría de ganarse la vida como artista puede ser exactamente lo que quieres para ti. Y si sabes eso y lo eliges deliberadamente, entonces has ganado. Quizás eso pueda leerse como negativo, pero no lo es. No me suscribo a la idea de que el dinero no puede comprar la felicidad. El dinero compra tiempo y libertad, lo que puede conducir a la felicidad. Y muchos artistas realmente geniales están hechos por artistas con estas prioridades. Haber priorizado el éxito financiero no descalifica a nadie de crear obras duraderas de gran belleza.

Ryan Brown
Ryan Brown, «Charlotte», aceite, 19 1/2 x 31 in.

La dirección que está más orientada al arte se preocupa poco por el estilo o la marca específica. Este camino tiende a considerar cada pieza individualmente como una obra de arte independiente. El artista que prioriza el arte se preocupa más exclusivamente por la artesanía, la estética y la ejecución de cada pieza, en la mayoría de los casos en detrimento de la comercialización de su trabajo. El desarrollo, la comprensión y el refinamiento del conocimiento, el oficio y la experiencia que conlleva su arte es una preocupación mucho mayor para estos artistas que el aspecto de marketing. Hay una mayor satisfacción en la parte de creación y ejecución del proceso que en las ventas y el marketing. Con esta prioridad se realiza un gran trabajo y también se puede lograr mucho éxito financiero de esta manera. Pero para artistas como estos, la falta de marketing siempre tiene la realidad potencial de permanecer en el anonimato

Ambos conjuntos de prioridades son válidos y ninguno está por encima del otro. Creo que gran parte de lo que lleva a los artistas hacia uno u otro se basa en su temperamento e intereses individuales. El punto que estoy tratando de hacer es que es mejor cuando un artista puede tomar estas decisiones de manera deliberada y segura, sin disculpas. Se requiere un cierto nivel de madurez en la visión para tener una reunión seria contigo mismo y definir tus prioridades. Con una definición clara de las prioridades establecidas, se requiere una gran cantidad de disciplina y esfuerzo para crear y seguir un plan para lograr tu visión. Se necesita una cantidad igual de determinación para mantenerse apuntando en la dirección deseada. Lo que me lleva a mi último consejo.

Es muy fácil distraerse como artista. Hay mucho potencial, muchas posibilidades. Como seres creativos, nos encanta explorar, experimentar y descubrir cosas nuevas. Queremos probar diferentes técnicas, nuevos enfoques, nuevos temas, etc. Y todas estas cosas son buenas. Sigue a tu corazón. Solo ten cuidado de no seguir a tu inconstante corazón. Puedes estirarte demasiado fácilmente tratando de hacer todo, participar en cada competencia, postularte a cada exhibición y unirte a cada organización. Puede hacer esto al principio para obtener atención o reconocimiento. No es una mala idea. No es la única forma, pero ciertamente ha funcionado para algunos. Pero estas exposiciones y concursos pueden ser engañosos. Pueden llevarte a hacer un trabajo que de otro modo no harías, adivinando lo que este juez o esa galería quiere ver.

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Ryan Brown, «Cherry Blossoms», 2016, óleo sobre lino, 18 x 24 in.

Participar en un espectáculo o ganar un premio puede ser genial, y puede ser excelente en términos de obtener reconocimiento por tu trabajo. También puede llevarte a un ciclo de creación de trabajo diseñados exclusivamente para tratar de ganar el próximo premio o complacer al próximo juez. Y no ganar, ser rechazado en los shows puede conducir a sentimientos aplastantes de insuficiencia. Debes encontrar una manera de amar lo que haces independientemente. Debe obtener revisiones directas y honestas en el camino por artistas de confianza. Y siempre debe avanzar y mejorar, independientemente de los premios, las exposiciones o la respuesta de la galería. Esto es más fácil dicho que hecho. Las distracciones son muchas y tu capacidad para permanecer enfocado estará indudablemente vinculada a la claridad de tus prioridades y visión.

Unsa palabras finales
Me siento siempre afortunado de haber encontrado la Academia de Arte de Florencia y de la educación que recibí allí. La experiencia de abrir los ojos, despejar la niebla y desarrollar una conciencia de cómo ver e interpretar el mundo a mi alrededor me cambió la vida. Me dio las herramientas para construir mis propias visiones. Esta experiencia transformadora me hizo querer compartir esta educación con tantas personas como pude.

Es con esto en mente que establecí la Academia de Maestros de Arte en Utah. Nuestro objetivo en la academia es comprender las necesidades y objetivos individuales de cada estudiante para ayudarlos a encontrar una forma más eficiente y económica de adquirir las habilidades que necesitan para hacer realidad sus visiones personales, con la mayor experiencia posible. Esto es importante porque no importa cuán grande o clara sea tu visión, la profundidad a la que puede ejecutar esa visión visualmente para los demás siempre será relativa a la habilidad con la que eres capaz de ejecutarla.

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