«Hay una fuerza casi mística en este viejo material», dice Julio Reyes, al dibujar con carboncillo. «No se puede negar su seriedad una vez que has colocado tu primera marca en el papel. Descubres que, en esencia, estás lidiando con los extremos de la creación, el contraste más antiguo y elemental: oscuro contra luz «.

Julio Reyes
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Cuando era niño, recuerdo haber visto a mi madre hacer marcas negras con carboncillo en una hoja ancha de papel blanco. Le gustaba dibujar al carbón y al pastel, y yo observaba en silencio mientras trabajaba suavemente este hollín aterciopelado en la superficie del papel y, como por arte de magia, comenzó a aparecer un mundo de texturas y formas. Este fue uno de mis primeros recuerdos, y hasta el día de hoy todavía estoy encantado con este medio y su capacidad para comunicar tan poderosamente. Esta es quizás la razón por la que disfruto tanto de las cualidades táctiles del carbón. No soy minimalista cuando se trata de complementos de dibujo: uso todo menos el fregadero de la cocina, ¡y todo termina en la obra final de una manera u otra!

Dibujar con carbón proporciona la combinación perfecta de juego y precisión que realmente me encanta. Puedo pasar de las marcas amplias y dinámicas a los pasajes más silenciosos y delicados, todo en una sola pieza.

Julio Reyes
«Far from Home», carbón y pastel, 11 x 22 in.

¡Diseñar las etapas iniciales de un dibujo de carboncillo es una de mis cosas favoritas para hacer! Se necesita una gran cantidad de energía y libertad expresiva. Tu intensidad puede alcanzar un punto álgido cuando avanzas con total concentración, ansioso y excitado por capturar lo que tienes delante. Sin embargo, nada de esta actividad aparentemente caótica es verdaderamente arbitraria o «salvaje». De hecho, es un pensamiento apasionado en acción. A menudo, no buscas un realismo objetivo «perfecto», sino un punto fijo entre lo que ves y todo lo que sientes hacia una experiencia determinada.

Para mí, lo más importante en estas primeras etapas es capturar, con fuerza, energía y audacia, los elementos más vitales de todo el concepto y diseño. Estoy tratando de destilar estos elementos a su esencia pictórica; no solo como una base práctica para el dibujo técnico, sino también el momento en que se establece el corazón expresivo de la pieza. No puedo exagerar la importancia de este elemento. Con demasiada frecuencia, las imágenes se apresuran a detalles incidentales e infinitesimales sin establecerse adecuadamente sobre una base sólida.

Comienzo de la misma manera que una pintura: embloqueando las principales formas de luz y oscuridad en la composición, teniendo cuidado de preservar la vivacidad y la fuerza de los gestos importantes. Si el dibujo es grande o pequeño, este principio sigue siendo el mismo.

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«Outland», carbón sobre papel, 20 x 28.5 in.

Últimamente, he estado usando carbón en polvo y un pincel ancho para establecer las áreas más grandes de un dibujo de manera más flexible. Esto puede ser complicado, pero embloquear los valores con esta técnica es divertido, muy pictórico, ¡y muy desordenado! El pincel me permite mantener mis bordes suaves y crear tonos medios y transiciones de valor, que se sienten vivos y naturales. En esta etapa, tengo cuidado de preservar el blanco del papel para mis luces más claras. Normalmente no construyo mis luces con tiza blanca, pastel, conté u otros medios. Por lo tanto, es primordial anticipar el diseño general y luego trabajar juiciosamente alrededor de las masas de luz.

Trabajar las formas más oscuras con un borrador puede producir algunos efectos sorprendentes. Levantar las luces de esta manera se puede lograr borrando para revelar el blanco del papel. Lo hago principalmente con goma moldeable ​​limpia, principalmente para definir mejor las luces que ya he establecido. Hasta cierto punto, literalmente estás sacando la luz de la oscuridad, siendo sensible a la dirección en que la luz se mueve a través de la forma.

Esta forma de trabajar es más parecida a la pintura al óleo que a los métodos de dibujo tradicionales: el énfasis está más en la forma, la luz y la atmósfera que en la línea, la forma y la caligrafía de la creación de marcas.

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«Stars Above», carbón sobre papel, 34 x 23 in.

El medio en sí tiene un carácter inherente y carisma, con el que trato de no pelearme. De hecho, las cualidades de trabajo particulares de cada medio tienen mucho que ver con cómo y cuándo elijo usarlas. Si soy lo suficientemente sensible, puedo encontrar qué medio captura mejor las cualidades esenciales de lo que estoy tratando de expresar en una pieza. Creo que esto se puede ver en «Stars Above», donde la profunda oscuridad del cielo estrellado simplemente rogaba por suntuosos y negros hollines. Quería preservar el poder gráfico de esa tremenda silueta contra el blanco de la hierba moribunda, y supe al instante que el carbón podía hacerlo.

Creo indicadores estructurales ligeros para definir mejor las formas y / o acentuar las sombras cruciales con carbón vegetal, difuminos sumergidos en polvo de carbón o pinceles pequeños (generalmente cepillos de pintura al óleo descartados que se han limpiado) . Intento esperar para usar los oscuros más oscuros ​​del carbón comprimido para más adelante en el proceso. El carbón de vid y sauce es excelente para la masa de tonos sólidos y aterciopelados, y muy adecuado para establecer rápidamente líneas estructurales generales y puntos de referencia que son fáciles de ajustar o borrar si es necesario.

Una vez que el emblocado inicial se está leyendo fuertemente, comienzo a hacer la transición de todo lo que estoy trabajando. Mi respiración se ralentiza y mi ritmo también se ralentiza. Se requiere menos energía física. La sensibilidad mental y emocional se vuelve dominante. Todo se vuelve más deliberado. Esta transición es, por supuesto, una cuestión de intuición y de familiarizarse con tu propia forma de trabajar. La demarcación es a menudo sutil y gradual, reconozco que viene con tiempo y experiencia frente al caballete.

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«Invierno», estudio de retratos, 18 x 24 in.

Existen muchas técnicas buenas y prácticas para verificar la fuerza del diseño de la imagen, y las uso a menudo durante la creación de un dibujo. Entrecerrar los ojos me ayuda a ver las formas básicas de luz y oscuridad para evaluar la precisión de su relación entre sí. A veces, ver el trabajo en un espejo es útil para detectar errores estructurales, así como para revelar formas negativas que podría no haber visto antes. Además, mirar la pieza desde el otro lado de la habitación, al revés o con una luz diferente puede darme nueva información. Siempre trato de ser sensible a cómo se verían los valores y las formas básicas en cualquier circunstancia.

Para avanzar en la pieza, comienzo a presionar cuidadosamente el valor de mis sombras más profundas en las áreas con la menor cantidad de luz, asegurándome de mantener mis masas de sombras simples sin detalles extraños. Intento tener especial cuidado con los tonos medios en esta etapa y las transiciones de luz a sombra. Aquí, una variedad de gamuzas (sucias, limpias, viejas y nuevas) son útiles, junto con una buena selección de difuminos en varios tamaños; y lo más importante, ¡los dedos! Junto con la goma moldeable, todos estos funcionan maravillosamente para manipular texturas y crear transiciones duras y suaves en los bordes de la forma.

A medida que me acerco al final de mi proceso, reevaluo mis sombras más oscuras y estableceré nuevas sombras cuando sea necesario. Para formas más amplias, uso carbón comprimido para lograr negros muy ricos y lápices de carbón bien afilados para algunos de los trabajos más finos. Una combinación de todos los implementos de dibujo de carbón que poseo va a refinar las masas de luz y las transiciones de tono medio. Difumino los bordes manchándolos con difuminos, mezclándolos ligeramente con pinceles o dedos, y / o suaves lamidas de gamuza. Trabajo principalmente con una goma moldeable para sacar esos reflejos finales, como en los pastos altos en «Stars Above». Allí, la hierba se logró estableciendo primero un tono amplio y uniforme de valor, luego borrándolo cuidadosamente con una goma moldeable. Esto funcionó de manera bastante efectiva y me permitió acentuar algunos de los oscuros en la hierba con una combinación de pinceles pequeños, difuminos y polvo de carbón.

A medida que me acerca el final, el trabajo avanza mucho más lentamente, y cada marca se realiza con cuidado y contemplación. Por lo general, me tomo descansos con más frecuencia para conseguir «ojos frescos» y volver a evaluar lo que queda como necesario hasta el final.

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«Gorriones», 25 x 21 in.

Terminar un dibujo tiene más que ver con la sabiduría que con la técnica. Un dibujo se enfoca lentamente cuanto más se trabaje y presente su propia combinación única de problemas y posibles soluciones. Se convierte en algo más que un simple retrato de una imagen; También es un registro de las experiencias, sentimientos, intenciones, pensamientos y motivaciones del artista que lo creó. Esto puede sonar arcano, y de alguna manera lo es. Es a la vez simple y complejo. Por un lado, solo tienes que «ser tú mismo» y practicar tu oficio «honestamente». Luego descubres que «ser tú mismo» no es tan fácil como parece, y que practicar tu oficio con honestidad se vuelve cada vez más difícil y complejo a medida que profundizas y profundizas. Es por eso que rara vez hablo de «terminar una pieza» en términos de seguir algunos pasos predecibles. Cada pieza es diferente, cada experiencia es única, por lo que la respuesta del artista no debe ser prestada, superficial o antinatural.

Esos toques finales en un dibujo representan una especie de huella digital del alma humana y la psique. Una obra de arte puede revelar tanto como retrata, y lo que revela sobre la mano del artista es inmensamente importante para la forma en que se recibe la imagen. Sé que un trabajo está terminado cuando comienza a zumbar con una nueva vida; esa otra vida más grande, más fuerte y más tranquila comienza a surgir, y luego sé que tengo algo.

Materiales de dibujo

Cuando se trata de medios secos, no me interesan las marcas. Muchas de estas herramientas son tan simples y elementales que hay poca diferencia entre la mayoría de las mejores marcas. Dicho esto, trato de tener todo esto al alcance de la mano durante el proceso creativo.

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Trabajar en grafito requiere lápices de grafito en diversos grados de dureza, un lápiz mecánico y barras de grafito (en densidades que varían de 2H a 8B). Ocasionalmente realzo sombras en un dibujo con un crayón litográfico. Para borrar el grafito, uso gomas moldeables. También se pueden obtener diferentes valores y texturas con difuminos y gamuzas limpias y / o sucias. El papel que uso para los dibujos de grafito ha sido tradicionalmente el de Bristol; sin embargo, siempre busco probar cosas diferentes con superficies interesantes.

Para trabajar en carbón utilizo carbón negro comprimido, carbón de vid y sauce, lápices de carbón en diferentes densidades (principalmente 2B-8B), gamuza (algunas limpios, algunas negras sucias, dependiendo del valor y la textura que estoy buscando hacer), gomas moldeables y difuminos de diferentes tamaños. De vez en cuando también uso pinceles viejos para suavizar los bordes. He usado muchos tipos diferentes de papel para carbón. No estoy en deuda con una marca o tipo de papel en particular aquí, siempre y cuando tenga suficiente agarre para darme negros ricos y sea lo suficientemente resistente como para resistir algún tratamiento rudo.

Aquí hay algunos con los que estoy trabajando y disfrutando: Stonehenge Paper Natural 90 lb. – Los compro en tamaños más grandes y los uso tanto para grafito como para carbón. En ocasiones (es decir, raramente y en trabajos más pequeños), monto el papel en un panel usando pegamento PVA para aplicar capas delgadas de gesso (imprimador acrílico) al papel mismo. Lo lijo hasta lograr un acabado fino (papel de lija de grano 220). Luego aplico manchas (ya sea con café, té, acuarela u otra), y no tengo que preocuparme por estirar el papel ni preocuparme de que el papel se doble por la aplicación de tratamientos a base de agua. Usaré grafito para dibujar en la superficie resultante.

También me gusta usar el papel Stonehenge de 90 lb con carbón. Tiene suficiente agarre para recibir adecuadamente una aplicación rica y pesada, y es lo suficientemente fino para las formas más delicadas. Me queda bien por ahora; pero como dije, siempre estoy atento para probar algo nuevo.

Tengo un enfoque muy trabajador de los materiales. Si son de buena calidad y lo tengo delante, ¡lo usaré! Me gusta ver qué sucede y luego decidir por mí mismo si se ajusta a mis propósitos. Supongo que todos hacemos eso, y la búsqueda de nuevos materiales es una de las alegrías, y las agonías, de ser un artista.

Artista Julio Reyes – RealismToday.com
Obten más información sobre Julio Reyes y su obra de arte en www.julioreyes.com.


1 comentario

Diana · enero 9, 2020 a las 7:08 pm

Muchas gracias por tu aportación. Feliz semana.

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