figurative art - David Shevlino - RealismToday.com
«Diver in Red» por David Shevlino

Hace varios años, vi una publicación en Facebook que mostraba dos gráficos uno al lado del otro de cómo es el éxito. A la izquierda había una imagen de una larga flecha apuntando hacia arriba. Debajo había una leyenda que decía: «Así es como la gente piensa que es el éxito». A la derecha había otra imagen de una flecha muy tortuosa y ondulada. Fue hacia arriba, hacia los lados, hacia atrás y finalmente hacia arriba nuevamente. El subtítulo decía: «Así es realmente el éxito».

Esas imágenes resonaron conmigo porque reflejan mi propia trayectoria profesional y, en cierta medida, mi vida.

Crecí en un área de clase trabajadora de Nueva Jersey, cerca de Nueva York. No tuve ninguna exposición al arte en mi familia, la escuela o la comunidad circundante. Sin embargo, comencé a dibujar cuando tenía 14 años. Comencé a mirar una serie de libros de arte publicados por Walter Foster. Hacía todo lo posible para copiar las pinturas en ellos tan fielmente como pude. Luego encontré algunos libros sobre los viejos maestros en una venta de garaje en mi vecindario. Inmediatamente me cautivó lo que vi en ellos. Entonces, salió Walter Foster y entraron Rembrandt, Rubens y Leonardo.

A partir de ese momento, estuve profundamente interesado en los Viejos Maestros y su oficio. Los fines de semana comencé a hacer viajes a Nueva York con un cuaderno de dibujo y pasé horas en el Museo Metropolitano de Arte y la Colección Frick. Intuitivamente gravité hacia pinturas desde el Renacimiento hasta el impresionismo. Era vagamente consciente del arte moderno, pero no tenía el más mínimo interés en ese momento. El tipo de arte que me habló fue el realismo, especialmente el figurativo. Implicaba habilidades de dibujo y un cierto nivel de facilidad técnica, que parecía faltar o estar bien escondido en la mayoría de las pinturas modernas.

figure drawings - David Shevlino - RealismToday.com
Dibujo de arte figurativo, «Joyce», de David Shevlino

Llenaba blocs de dibujo con copias de pinturas que vi en libros y dibujé arte figurativo de esculturas en los museos. También hice copias pintadas tan a menudo como pude de las reproducciones. Cuando tenía 16 años, había decidido que iría a la escuela de arte después de la secundaria.

En mi último año fui a un día de puertas abiertas a Filadelfia, para matricularme en una escuela. Mostré mis dibujos a varios representantes de la escuela. Uno en particular se destaca en mi memoria. No recuerdo quién o qué escuela era, pero un representante miró los dibujos que estaba haciendo y dijo: «Este tipo de trabajo ha sido reemplazado por la fotografía». A los 17 años no sabía cómo responder a su comentario. , pero estaba bastante seguro de que no estaba de acuerdo con ella. Finalmente me acerqué a alguien de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. Su reacción fue muy diferente, y ella me animó a presentar una solicitud.

Me inscribí en PAFA directamente después de la escuela secundaria en 1980, cuando tenía 17 años. Como la primera y más antigua academia de arte del país, PAFA tenía fama de ser un lugar donde se podía estudiar arte figurativo tradicional, aunque tampoco era inmune a las tendencias más de moda en la educación artística, a saber, la abstracción y el arte conceptual.

Still life painting - David Shevlino - RealismToday.com
«Naturaleza muerta con calabaza» de David Shevlino

Afortunadamente, estaba muy concentrado y decidido a seguir el tipo de pintura que me interesaba, y aproveché la enorme colección de moldes de yeso que tiene PAFA. Pasaba mañanas, tardes y noches dibujando de la colección del elenco y también de modelos en vivo.

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Arte figurativo / retrato, «Sam» de David Shevlino

No hacía mucha pintura como estudiante, ya que estaba más interesado en perfeccionar mis habilidades de dibujo. Aunque pinté, sentí que todavía tenía mucho que aprender sobre el manejo de aceites y mezclas de colores. En mi cuarto año era un estudiante independiente y decidí tomar clases en Nueva York en la Art Students ‘League, principalmente para estar cerca de mi novia y ahora esposa. Allí comencé a trabajar en colores pastel. Este fue un buen medio para mí porque me ayudó a hacer la transición a la pintura al óleo. Estaba en algún lugar entre pintura y un trozo de tiza.

Después de graduarme, seguí trabajando en pastel, pero también comencé a pintar plein air con óleos. Aunque no lo sabía en ese momento, la pintura de paisajes al aire libre me enseñó mucho sobre cómo trabajar rápidamente y obtener la información visual esencial de una escena o tema determinado. No me llevó mucho tiempo darme cuenta de que podía ser más interpretativo con un paisaje y que podía inventar y editar. Este era un concepto nuevo para mí en ese momento porque generalmente era muy literal acerca de representar temas tan fielmente como podía. Esto ayudó a allanar el camino para las próximas décadas.

Después de haber estado fuera de la escuela de arte durante unos 10 años, comencé a sentir la urgencia de ir más allá de lo que estaba haciendo en mi trabajo actual. Quería hacer algo más expresivo y personal, algo que utilizara todas mis habilidades y conocimientos adquiridos para crear una voz que fuera exclusivamente mía. No tenía idea de cómo sería o cómo sería, pero sabía que tenía que salir de mi zona de confort.

Me llevó unos años superar el miedo y la inhibición, pero comencé a experimentar a principios de los 90 con un enfoque totalmente diferente.

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«Mercado italiano» por David Shevlino

Obtuve algunos paneles grandes de 4 x 4 pies y algunos pinceles grandes y comencé a hacer pinturas surrealistas / abstractas que reflejaban mi propia vida y experiencia. Al principio fue muy incómodo porque me estaba esforzando mucho más allá de mi zona de confort. Desafié tantas ideas preconcebidas que tenía sobre arte, una de las cuales era usar referencias fotográficas. Gradualmente, me sentí más cómodo y confiado en lo que estaba haciendo, y mis horizontes creativos se expandieron.

Aunque mi trabajo ha sufrido varios cambios a lo largo de los años, el hilo común para mí ha sido la importancia del oficio y la técnica. Siempre he sido un gran defensor de las habilidades técnicas. Para mí, tener esas habilidades en mi caja de herramientas significa que tengo más posibilidades de hacer lo que pueda soñar. Me tomó años resolver esto, pero desafiarme a mí mismo, y mi actitud bastante miope, me llevaron a darme cuenta de que la técnica no es un fin en sí misma.

Tener fuertes habilidades fundamentales fue y sigue siendo importante para mí, pero lo que me empujó más allá de eso fue un deseo de singularidad. Quería una voz que pudiera llamar mía y que era exclusivamente sobre mí. Dicho esto, no puedo imaginar cómo podría haber llegado a donde estoy ahora sin las habilidades que adquirí al principio. Esas horas y horas de copiar pintores y pintores me dejaron una impresión indeleble. Todavía pienso en cómo vi a esos artistas y cómo internalicé una estética que se remonta a cientos de años. La forma en que manejaban la pintura y su aplicación, la iluminación de un sujeto o la creación de marcas están grabada en mi subconsciente.

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«Si su intención es hacer algo diferente, debes estar dispuesto a dejar a un lado tus ideas preconcebidas y sal de tu propio camino».

Cuando enseño talleres de pintura, una observación común que escucho de los estudiantes es «Soy un pintor constreñido, pero quiero ser más pictórico y expresivo en cómo aplico la pintura». Generalmente cuento mi propia experiencia y cómo evolucioné a lo largo de muchos años. El cambio de cualquier tipo suele ser un desafío para cualquiera. Para mí tomó tiempo entender que si iba a salir de mi zona de confort, tenía que comenzar cambiando mi actitud.

Cuando comencé a hacer pinturas que eran muy diferentes de todo lo que había hecho antes, fue aterrador e intimidante. Me di cuenta de que a menos que pudiera ver lo que estaba haciendo de una manera diferente, o juzgarlo con un estándar diferente, estaría girando mis ruedas y dando vueltas. Este proceso comienza dándote permiso para ser diferente, experimentar, entrar en un territorio desconocido y abrazarlo como algo positivo.

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«Sumos», 2010, óleo sobre panel, 15 x 16 in., De David Shevlino

Si su intención es hacer algo diferente, debe estar dispuesto a dejar a un lado sus ideas preconcebidas y apartarse de su propio camino.

El cambio, ya sea personal, espiritual o profesional, siempre es desconcertante. Cuando miro hacia atrás, me doy cuenta de que, a pesar de lo incómodo que fue para mí, mi trabajo no podría haber evolucionado sin experimentarlo. ¡Valió la pena el esfuerzo y la frustración!


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