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Composición: Resumen

Composición

La composición es quizás el aspecto más ignorado de la creación artística. También es uno de los aspectos más importantes para el éxito. Si tu composición es débil, entonces tu trabajo también es débil. Incluso si tienes un rango completo de valores, tus proporciones son correctas y has utilizado el medio correctmente: si tu composición está mal planificada y ejecutada, entonces tu arte podría considerarse un fracaso.

Afortunadamente, la composición es una de esas cosas que podemos hacer bien con un poco de planificación y conocimiento. No requiere “talento” y definitivamente no se trata de “conjeturas”. Hay algunas “reglas” que podemos considerar cuando planificamos nuestros trabajos para que podamos tener éxito en todo momento.

¿Qué es la composición en el arte?

Nuestra composición juega un papel importante en cómo nuestros trabajos son vistos y experimentados por nuestra audiencia.

Pero antes de definir la composición en términos de arte, veamos un ejemplo:

Si eres músico, entonces sabes que las obras musicales también pueden denominarse “composiciones”. Hay una estructura para una canción. Cada músico toca “su parte”. Si un músico toca en el momento equivocado o toca las notas equivocadas, entonces la canción se vuelve un desastre. Cada parte está cuidadosamente diseñada para que la canción sea lo mejor posible. En algunas canciones, la guitarra puede tener más partes y dominar la canción. En otros, puede ser el piano.

Podemos comparar esta analogía musical con la creación artística. Al igual que una canción, cada obra de arte que creamos tiene una estructura (o debería tener una estructura). Como artistas, planificamos esta estructura y la ejecutamos a medida que creamos arte.

Si no planificamos cuidadosamente los elementos que incluimos, nuestro arte puede convertirse en un verdadero desastre.

Entonces, cuando se trata de arte, la composición es la disposición de elementos dentro del espacio pictórico (o espacio tridimensional con una escultura). El posicionamiento y la disposición de los elementos dentro de un trabajo afectan la forma en que un espectador interactúa con lo que creamos.

Al igual que con una canción, las posibilidades son infinitas. Tenemos total libertad creativa con respecto a cómo organizamos los elementos dentro de nuestras obras. Pero a pesar de que las posibilidades son infinitas, no significa que podamos abordar la composición con un enfoque casual, sin planificación. Debemos elaborar nuestras composiciones, tal como lo haría un compositor experto.

En algunas obras, un elemento específico puede dominar. En otros, un elemento diferente puede dominar. Sin embargo, siempre debemos asegurarnos de no tener demasiados elementos que compitan por la atención. En una canción, no esperaríamos tener un solo de guitarra, un solo de piano y un solo de batería al mismo tiempo. En una obra de arte, tampoco esperaríamos que todos los elementos que incluimos compitan por la atención.

En cambio, debemos enfocar la atención de nuestro espectador en uno o dos elementos dentro de la escena. Estos elementos se convierten en los puntos focales. Todos los demás elementos dentro del trabajo se convierten en los miembros de reparto de apoyo.

Crear puntos focales

Un punto focal es el área o áreas dentro de una escena que atraen la atención visual del espectador. En la mayoría de los casos, los puntos focales incluyen el tema principal. Toda obra de arte debe tener al menos un punto focal.

Los puntos focales deben ser limitados. En muchos casos, solo se requiere un punto focal. Puedes tener más de un punto focal, pero cualquier número más allá de tres será difícil de lograr. Si tu trabajo tiene más de un punto focal, entonces debería haber uno que domine a los demás. En otras palabras, debería haber un punto focal principal y quizás un punto focal secundario o de apoyo.

Los puntos focales se pueden crear en una obra utilizando una variedad de técnicas. Estas técnicas incluyen:

  • Contraste
  • Aislamiento
  • Colocación
  • Convergencia
  • Lo inusual

Ahora, veamos brevemente cada técnica para crear un punto focal.

Contraste

El contraste trata con la diferencia. Esto podría ser una diferencia en valor, color, textura, tamaño, etc. Cuando incluimos un área de fuerte contraste, atrae la atención del espectador hacia esa ubicación en el trabajo y crea un punto focal.

Zorn Painting
Zorn Painting

Aislamiento

Cuando aislamos un sujeto o un elemento en un dibujo o pintura, este elemento naturalmente llama la atención y se convierte en un punto focal.

The Agnew Clinic Thomas Eakins
The Agnew Clinic Thomas Eakins

Colocación

Nos empujan visualmente al centro de las formas. Si pensamos en el plano de la imagen de nuestro trabajo como una forma tal como un rectángulo, entonces podemos esperar que nuestro espectador sea arrastrado hacia el centro. Si colocamos un sujeto cerca o exactamente en el centro de nuestro plano de imagen, entonces este sujeto se convierte en un punto focal.

Punto focal central en una obra de arte

Van Gogh “Cabeza de mujer” 1882

Aunque esta técnica funciona para crear un punto focal fuerte, generalmente no es la mejor técnica para crear una composición visualmente estimulante. Cuando colocamos sujetos en el centro del trabajo, el resultado es típicamente estático y aburrido. Es mejor colocar el sujeto un poco descentrado, o mejor aún, en uno de los tercios. Más sobre esto en un momento.

Convergencia

La convergencia se refiere al acto de guiar el ojo del espectador dentro de una obra utilizando señales visuales. Pueden ser líneas, formas, colores contrastantes, etc. Cada elemento que incluimos puede guiar la mirada del espectador hacia el punto focal. A veces, nos sentimos atraídos a un área dentro de una obra simplemente porque el artista ha manipulado elementos para forzar nuestra atención a un área específica. ¡Podemos hacer esto también!

kim cogan
kim cogan

Lo inusual

Cualquier cosa fuera de lo común llama nuestra atención. Del mismo modo, todo lo que incluyamos en nuestro trabajo que no se espera o que sea drásticamente diferente de los otros elementos dentro de la escena se convertirá en un punto focal.

Annie Murphy Robinson Feature Image
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Crear un punto focal definido es importante para crear una composición fuerte, pero hay más que eso. También deberíamos considerar algunos de los principios del diseño.

Los principios del diseño en la composición artística

Los principios del diseño se ocupan de la disposición de los elementos del arte en el trabajo. Los elementos del arte son los componentes básicos de la creación artística.

Puede aprender más sobre los elementos del arte y los principios del diseño aquí …

Los ocho principios del diseño son:

  • Equilibrio
  • Proporción
  • Movimiento
  • Ritmo
  • Armonía
  • Unidad
  • Énfasis
  • Variedad

(Algunos especialistas en arte también incluyen el contraste como principio. Pero dado que el contraste puede crear énfasis, la mayoría de las personas lo excluyen de la lista).

No todos los principios del diseño afectan directamente a nuestras composiciones, pero la mayoría sí. 

Equilibrio

En términos de arte, el equilibrio se refiere a la distribución general del peso visual en una composición. Cada objeto que incluimos en un trabajo lleva consigo un peso visual. Cuando agregamos un elemento a un lado de nuestra composición, nos gustaría tener que agregar otro o varios elementos para equilibrar el peso visual en el otro lado.

El equilibrio visual se puede lograr agregando elementos o usando espacio negativo. (Más sobre espacio negativo y positivo en un momento).

Podemos comparar el equilibrio con un balancín. Imagina que tenemos un objeto grande (o persona) a un lado del balancín. El balancín no estará equilibrado.

Composición desequilibrada

Pero, si agregamos un par de objetos de tamaño mediano (o personas) al otro lado del balancín, logramos un equilibrio. El balancín ahora está equilibrado.

Composición equilibrada

Si un trabajo no está equilibrado visualmente, puede sentirse “pesado”. Por ejemplo, si incluimos demasiado peso visual en la parte inferior de una composición, el peso atraerá la atención del espectador hacia el fondo. La composición se sentirá inquietante.

Visualmente pesado en la parte inferior de la composición.

Pero si contrarrestamos este peso con un elemento o dos en la parte superior de la composición, entonces se vuelve más equilibrado.

Elementos agregados para equilibrar la composición.

También debemos ser conscientes de cómo se recorta nuestra composición, ya que esto también puede influir en el equilibrio.

Muchas veces, tendremos elementos que se extienden más allá de los límites del plano de la imagen. Si los bordes de estos elementos se colocan de manera tal que estén cerca de los bordes del plano de la imagen, esto creará un peso visual adicional y quizás una atención no deseada.

Echa un vistazo a las imágenes a continuación. En la imagen de la izquierda, observa cómo el pájaro se coloca demasiado cerca del borde del plano de la imagen. El borde de la rama en la parte superior también está demasiado cerca del lado izquierdo del plano de la imagen.

El sujeto está demasiado cerca de los bordes en esta composición.

En la segunda imagen, hay suficiente espacio provisto en ambos lados del plano de la imagen para proporcionar un poco de equilibrio que resulte en una mejor composición.

Si posicionamos a los sujetos en nuestros trabajos de modo que sus bordes terminen un poco más lejos de los bordes del plano de la imagen o se extiendan mucho más allá de los límites del plano de la imagen, entonces este peso visual se minimiza.

Joaquin Sorolla Barcas En La Playa
Joaquin Sorolla Barcas En La Playa

También debemos considerar cada uno de los bordes del plano de la imagen. Si tenemos elementos que se extienden fuera del plano de la imagen en dos lados, podemos crear demasiado peso visual en esos dos lados. Pero, si permitimos que los sujetos se extiendan fuera del plano de la imagen en los cuatro lados, podemos crear una composición más equilibrada.

Movimiento

El movimiento puede referirse a la ilusión del movimiento real en un dibujo o pintura; o puede referirse al movimiento que toma el ojo del espectador cuando mira la obra. En términos de composición, estamos más preocupados por este último.

Cuando un espectador interactúa con tu arte, sus ojos se mueven de un elemento al siguiente. Por lo general, el elemento más dominante exige atención inmediata. Después de eso, el espectador puede pasar a otros elementos de soporte dentro de la escena.

Como artistas, podemos controlar este “movimiento ocular” en función de cómo planeamos nuestra composición. Podemos guiar al espectador a los elementos más importantes y, muchas veces, controlar cómo la mayoría de las personas “ingerirán” nuestra creación. En la mayoría de los casos, queremos que el ojo del espectador fluya a través del trabajo en cierto orden.

Dependiendo del tema, el orden puede verse más o menos así …

  1. El espectador se ve atraído por la obra.
  2. El espectador es guiado a los puntos focales.
  3. El espectador es guiado a elementos de soporte.
  4. El espectador es guiado fuera del trabajo o de regreso al punto focal.

Este movimiento visual generalmente se logra creando contraste, líneas guía, diagonales y elementos superpuestos.

Echa un vistazo al trabajo a continuación. Cuando lo examines, tome nota de cómo se mueven tus ojos a través del trabajo.

Movimiento de los ojos en la composición
Willard Metcalf “Flying Shadows” 1909-1910

Quizás tus ojos siguieron una ruta similar a la mía. Entré al trabajo en el fondo del valle, cerca del arroyo. Fui guiado por la línea de árboles más oscuros hasta el centro del espacio pictórico, luego de regreso al bosque. Luego seguí la línea de árboles, justo en frente de las montañas distantes. A partir de ahí, fui guiado de regreso al centro.

Flujo ocular a través de una obra de arte.
Willard Metcalf “Flying Shadows” 1909-1910

El posicionamiento de estos elementos me permitió ver todas las partes importantes dentro del trabajo, mientras apreciaba cada sección de la pintura por sí misma.

Podemos usar las mismas técnicas para tener un poco de control sobre cómo un espectador interactúa con nuestro arte. Aunque no podemos controlar completamente cómo las personas verán nuestro arte, podemos tener cierta influencia sobre su experiencia visual.

Ritmo

Entendemos el ritmo a través de la repetición. Por ejemplo, podemos escuchar el ritmo de una canción porque se repite, muchas veces de manera predecible. Sin repetición, no hay ritmo.

En el arte, lo mismo es cierto. Debemos tener repetición para tener ritmo. Visualmente, el ritmo se crea repitiendo elementos. Esto podría ser un patrón regular o irregular de formas repetitivas o podría ser una repetición de un tema específico. De cualquier manera, los elementos repetitivos producen un ritmo.

Echa un vistazo a la pintura a continuación. Observa cómo tiene sentido del ritmo.

Van Gogh Irises
Van Gogh “Iris” 1889

Este ritmo se crea a través de la repetición. Aquí podemos ver cómo se repiten las formas creadas para las hojas de las flores …

Repetición de formas en el arte.

Y también las formas de las flores más pequeñas en la esquina superior izquierda …

Repetición en el arte de flores más pequeñas

Las formas creadas para los iris no son diferentes. También se repiten …

Repetición en el arte de flores más grandes

Un elemento que se repite dentro de una obra a menudo se denomina “motivo”. Incluir un motivo en tu trabajo a menudo puede conducir a una sensación de armonía y unidad.

Volvamos a la analogía musical. Las canciones más populares presentan un ritmo constante a lo largo de la canción. La dinámica de la canción puede cambiar, pero la firma del tiempo rara vez lo hace. Y a pesar de que las notas pueden cambiar drásticamente, el ritmo constante unifica la canción de principio a fin.

Nuestras obras de arte deben tener esta consistencia, lo que nos lleva a los siguientes principios: armonía y unidad.

Armonía y Unidad

Nuestras composiciones de arte también deben ser armoniosas y unificadas. La armonía y la unidad están tan estrechamente relacionadas que es fácil suponer que son lo mismo. Son muy similares, pero cada una debe considerarse por separado en nuestras composiciones.

La unidad trata con un sentimiento de “unidad”. Esto generalmente se logra en una obra de arte mediante el uso del medio de manera consistente y hasta un nivel de finalización. También podemos pensar en la unidad en términos de estilo artístico. Si el estilo y el uso de los medios se usan constantemente en un trabajo y el trabajo se siente completo y terminado, generalmente podemos decir que el trabajo está unificado.

La unidad también se puede crear en una obra mediante la simplificación. Esto se puede lograr simplificando formas, sujetos o esquemas de color.

El siguiente trabajo está unificado y es armonioso por varias razones. La forma más obvia de unificación es mediante el uso del color.

Un interior del norte de África: ejemplo de armonía y unidad en una obra
Robert Harris “Un interior del norte de África” ​​1877

Harris ha simplificado el esquema de color y ha utilizado principalmente los colores complementarios rojo y verde. El verde es muy terroso, pero aún presente.

Unidad usando un esquema de color
Robert Harris “Un interior del norte de África” ​​1877

La armonía ayuda a crear unidad en una obra. Mientras que la unidad se ocupa de la obra de arte en su conjunto, la armonía se ocupa más de las partes individuales de la obra. Si las partes individuales de la pieza trabajan juntas, entonces el arte podría considerarse armonioso.

Otra forma de pensar en esto es considerar una familia. Una familia está compuesta por diferentes miembros. Miremos a una familia en un sentido tradicional para esta analogía. Una familia puede tener un padre, una madre, un hijo y una hija. Cada miembro de la familia es diferente y es su propia persona única, pero la familia sigue siendo una unidad. 

Podemos crear armonía y unidad en nuestras composiciones por:

  • Usar el medio de manera consistente durante todo el trabajo.
  • Simplificando formas, sujetos o esquemas de color.
  • Usando un estilo consistente en todo el trabajo.
  • Asegurándose de que el trabajo parece terminado.
  • Asegurarse de que cada parte individual de la pieza funcione (y tenga sentido) con las otras partes.

Énfasis

A menudo usamos énfasis para definir el punto focal o puntos importantes dentro de una composición. Ya hemos discutido varias formas en que un artista puede crear un punto focal dentro de una obra. Cada uno de estos métodos se basa en el énfasis para su éxito. El énfasis generalmente se crea en una obra a través de alguna forma de contraste.

Echa un vistazo al trabajo a continuación. ¿Qué crees que se enfatiza?

Edgar Degas "El bebedor de ajenjo" 1876
Edgar Degas “El bebedor de ajenjo” 1876

La mayoría de nosotros nos sentimos atraídos por la mujer en la escena, más específicamente, por su rostro. Degas ha llamado nuestra atención hacia ella usando varios métodos. Para empezar, está ubicada en el centro del plano de la imagen. También hay un fuerte contraste de valor a su alrededor. Observa cómo el hombre a su lado está vestido de negro, mientras que ella viste de blanco. Incluso hay una sombra oscura en la pared justo al lado de su rostro claro.

Luego están las líneas de convergencia creadas por las tablas y el borde posterior del banco.

También notarás que la cara de la mujer tiene más detalles en comparación con los otros elementos dentro de la escena. Esto también ayuda a atraer la atención del espectador.

Todas estas características ayudan a influir en cómo interactuamos con el tema.

Variedad

Como el énfasis, la variedad también trata con la diferencia. Nuestros dibujos y pinturas deben incluir alguna variedad.

Piensa en tu comida favorita por un momento. Ahora piensa cómo sería la vida si tuvieras que comer tu comida favorita en cada comida por el resto de tu vida. Para el desayuno, el almuerzo y la cena, tienes tu comida favorita y nada más. Puede ser genial el primer día, pero después de eso…

Podemos pensar en nuestras obras de arte de la misma manera. No queremos aburrir a nuestros espectadores con la misma información visual. En cambio, deberíamos incluir alguna variedad para mantenerlos interesados ​​y hacer que nuestras obras de arte sean más interesantes.

El truco aquí es equilibrar tanto la armonía como la variedad. Si llevamos la variedad demasiado lejos, el trabajo probablemente no será armonioso. Si llevamos la armonía demasiado lejos, el trabajo puede resultar aburrido.

Hecha un vistazo a la imagen de abajo. Observe cuánta variedad está presente …

Courbet Latelier Du Peintre
Courbet Latelier Du Peintre

Espacio Positivo y Negativo

El espacio es uno de los siete elementos del arte. Cuando pensamos en el espacio, a menudo lo consideramos en términos de profundidad o la ilusión de profundidad en un dibujo o pintura. Sin embargo, cuando se trata de composición, podemos pensar en el espacio en términos del espacio pictórico real en la superficie de dibujo o pintura.

El espacio que ocupan temas importantes o elementos de diseño se considera espacio positivo. Las áreas que rodean estos lugares se consideran espacio negativo. A menudo, es el espacio negativo el que proporciona un área de “descanso” para el espectador.

Echa un vistazo a las imágenes a continuación. Primero vemos la imagen original a la izquierda. En la imagen central, el espacio negativo se resalta en rojo. En el tercero, vemos el espacio positivo resaltado en rojo.

Espacio positivo y negativo en una composición de arte.

El espacio positivo y negativo trabajan juntos para crear la composición. Una composición puede estar compuesta principalmente de espacio positivo, un equilibrio uniforme de los dos, o mayormente espacio negativo.

La siguiente imagen ilustra una composición hecha principalmente de espacio positivo …

Espacio mayormente positivo en una composición

Aquí hay un ejemplo de una composición hecha de partes iguales de espacio positivo y negativo …

Espacio positivo y negativo equilibrado en una composición.

Y aquí hay uno hecho en su mayoría de espacio negativo …

Espacio mayormente negativo en una composición

Cada una de estas composiciones se deriva del mismo tema y cada una podría considerarse “exitosa”.

El uso exitoso del espacio positivo y negativo dentro de una composición depende del equilibrio. La forma en que se logre este equilibrio dependerá del tema, el uso del medio, el nivel de detalle incluido, el contraste y otros factores visuales.

La mejor manera de lograr un equilibrio en una obra y garantizar que el espacio positivo y negativo funcione para el bien de la composición es a través de una planificación cuidadosa.

Planificando tu composición

La planificación es quizás el aspecto más importante para encontrar el éxito con sus composiciones. Desafortunadamente, es el paso que la mayoría de las personas omite por completo.

Digamos que decides hacer un viaje por carretera a un lugar en el que nunca has estado antes. No tendría sentido simplemente meter tus maletas, subirte al automóvil e irte sin saber cómo llegar a tu destino. Probablemente eches un vistazo a un mapa o ingreses tu destino en tu sistema de navegación. Nunca llegarás a tu destino sin alguna forma de preparación y orientación.

Del mismo modo, debemos planificar nuestras composiciones antes de intentar ejecutarlas. Necesitamos saber “a dónde vamos” con nuestras obras de arte. Deberíamos planificar el resultado final antes de comenzar a crearlo. Podemos cambiar nuestras ideas a medida que trabajamos si lo deseamos, pero debemos tener una idea general de cómo queremos que se vea el trabajo terminado antes de sumergirnos.

Al planificar, podemos resolver todos los acertijos de composición que forman parte de una obra de arte sólida. Cuando hacemos esto, podemos centrarnos en el proceso real de dibujar y pintar, ya que la mayoría de nuestras decisiones con respecto a la composición ya se han tomado.

En la mayoría de los casos, planificar una composición implica crear pequeños dibujos que carecen de detalles. Estos pequeños dibujos a menudo se llaman miniaturas o bocetos preliminares. Los bocetos deben crearse rápidamente y deben abordarse con una actitud de experimentación. 

A medida que creas tus bocetos, estas abierto a probar cosas diferentes. Experimenta con el posicionamiento de los sujetos y con el equilibrio del espacio positivo y negativo. Considera cómo el ojo del espectador puede moverse a través del trabajo. Prueba composiciones basadas en vertical y compáralas con las horizontales. Experimenta con diferentes colores. Mantén tu mente abierta.

Muchas veces, tenemos una visión en nuestras mentes de lo que queremos crear y naturalmente asumimos que es esta visión la más exitosa. Sin embargo, en la mayoría de los casos, nuestra visión inicial es solo la “punta del iceberg”. Con un poco más de “excavación”, nuestra visión original evoluciona hacia algo mucho más exitoso. Esto solo sucede cuando estamos abiertos a la experimentación y nos tomamos el tiempo para planificar.

La regla de los tercios

La regla de los tercios es una teoría de composición que se basa en la ubicación de los sujetos dentro de una composición. Se basa en la , que es una fórmula matemática que se ocupa de las relaciones proporcionales. Dado que la medida dorado es bastante complejo, la mayoría de los artistas y fotógrafos confían en la regla de los tercios para crear un efecto similar.

Así es como funciona:

Tomemos una composición y dividámosla por tercios, tanto horizontal como verticalmente. Podemos imaginar líneas que corren a lo largo de cada uno de los tercios. Estas líneas se cruzan en cuatro ubicaciones dentro del plano de la imagen. Al colocar temas importantes o puntos focales en o cerca de estos lugares de intersección, creamos una composición más exitosa estéticamente.

La regla de los tercios en la composición.
Armand Guillaumin “Hueco en la nieve” 1869

Observa cómo Guillaumin ha posicionado la figura casi directamente en uno de estos puntos.

También podemos crear composiciones más dinámicas e interesantes colocando temas directamente en estas líneas.

Creando diagonales

Las composiciones pueden ser dinámicas o estáticas. Las composiciones estáticas son bastante directas. Una composición estática tiene sentido para una imagen informativa, como una ilustración científica. En contraste, una composición dinámica crea un mayor sentido de la historia y atrae al espectadorEn la mayoría de los casos, queremos que nuestras composiciones sean dinámicas.

Se pueden crear composiciones dinámicas incorporando diagonales en el trabajo. Estas diagonales se pueden crear con líneas y formas reales o líneas implícitas. También se pueden usar para ayudar a guiar el ojo del espectador a través del trabajo, como ya comentamos anteriormente.

Diagonales en composiciones artísticas
Fredric Remington “El vaquero” 1902

Busca formas interesantes de incluir diagonales en tu trabajo. Esto puede significar cambiar el ángulo del punto de vista del espectador. En lugar de dibujar o pintar los sujetos desde un punto de vista estándar, considera dibujarlos desde arriba o desde abajo, o incluso desde un ángulo inclinado.

Los números impares son mejores

Cuando componemos nuestras obras de arte, también debemos considerar la cantidad de temas o elementos que incluimos. La mente humana encuentra el equilibrio en números impares. El número más óptimo para usar es 3. Esto significa que si estás componiendo una naturaleza muerta, es mejor usar 3 objetos. Esto no significa que estemos limitados a 3 objetos. Podemos, por supuesto, incluir más si lo deseamos. Pero si incluimos más, los números impares son los mejores.

Consideremos una imagen con dos objetos. Con dos objetos, parece haber una especie de competencia visual entre los dos. Es difícil decidir qué tema es el punto focal.

Dos objetos en una composición.

Sin embargo, cuando incluimos un tercero, los otros dos sujetos actúan para enmarcar al tercero, lo que resulta en una composición más equilibrada.

Tres objetos en una composición.

Conclusión

La composición no son “conjeturas”. Una gran composición no es el resultado de la suerte y ciertamente no se trata de talento. Se trata de comprender cómo un espectador interactuará visualmente con lo que creamos y planificarlo cuidadosamente.

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