3 consejos en pintura que no has escuchado – Academia de Pintura en Colmenar Viejo

tim rees

Artículo de Tim Rees publicado en la revista Artist on Art  y traducción de google.

Cuando uno decide prescindir de la idea de que convertirse en pintor implica algo de misticismo, se puede lograr un progreso real. Mi carrera como pintor comenzó con un supuesto: hay artistas muy hábiles que pintan realismo hoy, y si aprenden cómo hacerlo, yo también puedo.

Solo necesitaba la comprensión, o la ciencia. Como más tarde descubrí, esta era la mentalidad de Harry Houdini, el formidable mago. Él había hecho lo que yo había hecho: recogió los libros de instrucciones, realizó todo lo que describieron hasta que se pudieron hacer trucos sin ellos y luego comenzó a inventar cosas nuevas. Esto trae otro hábito que los estudiantes tienden a tener: acumular una gran biblioteca de libros caros que no se leen. Ocasionalmente se han leído, pero casi nunca se han copiado o se han replicado los procesos. Este fue uno de los pilares de la educación artística en talleres y academias desde la década de 1500 hasta la década de 1800: ¿Quieres aprender a dibujar y pintar? Copia el master. Una vez que comienzas a aprender cómo se hace cada «truco», comienzas a revelar la magia.

Esta fue la base de mi educación artística. Leer y replicar. Observa a otros cometer ciertos errores y no los hagas. Repasar cada pintura y compararla con obras maestras. Poco a poco mi conocimiento creció. La enseñanza cimentó este conocimiento y lo ayudó a crecer. Siempre fui demasiado reservado para hacer cualquier declaración para la que no pudiera citar a un maestro profesional o muerto como la fuente de la información. De vez en cuando escribía todo lo que sabía sobre un tema en particular para encontrar las lagunas en mi conocimiento, y alentaba a mis alumnos a hacer lo mismo.

Todo esto no quiere decir que no tuve que resolver algunas cosas por mí mismo. Espero poder revelar algunos de ellos para ahorrar un poco de problemas. Aquí hay tres consejos artísticos que la mayoría de los estudiantes no han escuchado.

1. El Notan es el camino más rápido a una semejanza. Aunque tiene muchos nombres, Notan es un patrón en blanco y negro (el término se refiere a un diseño japonés) que revela la luz en un objeto y, por lo tanto, la estructura del objeto. Los estudiantes que se centran en las características y los detalles primero están condenados a volver a trabajar. Notan le permite al estudiante entrecerrar los ojos y ver un patrón abstracto para replicar, que a menudo es más fácil que dibujar algo complejo como una cara. Piense en una vieja fotografía de un periódico: todo es blanco y negro, pero las personas son fácilmente reconocibles.

2. Los bordes hacen más trabajo del que crees. La mayoría de los estudiantes ya saben que puedes usar bordes para sugerir diferentes ambientes. Algunos saben que puede usar bordes para describir «lo que está enfocado». Pocos parecen darse cuenta de que los bordes desempeñan un papel importante en la descripción de la calidad de la luz. Las luces intensas y el sol tienen bordes ásperos. Una luz difusa o tenue tiene bordes más suaves. Si su pintura de un modelo bajo una luz dura tiene bordes suaves pero el patrón de sombra de un foco, será confuso y nunca se verá bien. El rango de valores con el que pintamos es casi el mismo para cada pintura. Los valores de luz no describen un foco de luz; los bordes hacen

3. La coincidencia de colores es tan fácil como 1-2-3, o rojo-amarillo-azul. Combinar colores, especialmente para pintar de nuevo en una pintura, siempre fue un poco estresante para mí, hasta que me sorprendió lo que puedo decir que es la única epifanía que me ha cambiado la vida. Sabía, como la mayoría, qué son las primarias y que el rojo y el azul se vuelven de color púrpura, etc. Sin embargo, me di cuenta de que al organizar mi paleta de cierta manera, y cambiar mi enfoque para mezclar el color, podría coincidir fácilmente con cualquier color que quisiera. (con pintura directa opaca) sin necesidad de una carta de colores.

Lea el artículo completo en la revista Artists on Art (Primavera 2016, Número 18)

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